Data / Ora
Date(s) - 15/01/2022 - 13/03/2022
2:00 pm - 8:00 pm
Luogo
Fou Gallery
Indirizzo 410 Jefferson Ave #1, Brooklyn
Città New York
Nazione New York
Categorie
Poster Design: Yizhi Liu
Ricevimento d’apertura: Feb. 5, 2022, Dalle 14:00 alle 20:00
Luogo: Fou Gallery, 410 Jefferson Ave #1, Brooklyn, New York, NY 11221
Curatrici: Echo He, Xiaorong Liu
Artisti: Shuyi Cao (b. 1990), Meng Du (b. 1986), Sueharu Fukami (b. 1947), Tsuji Hokuyosai II (b. 1909–1999), Kyoko Ibe (b. 1941), Sekigawa Katsunobu (ca. 19th century), Liang Wanying (b. 1989), Lin Yan (b. 1961), Tomio Munemi, Isshū Saiuchi (b. 1910), Arai Sōu (1890–1967), Koma Yasutada (ca. 19th century), and other anonymous artists
A causa della crescente preoccupazione per la diffusione dell’omicron, il ricevimento d’apertura si terrà il 5 febbraio 2022, dalle 14 alle 20, registrato su appuntamento unicamente al fine di mantenere la distanza sociale.
NEW YORK – La Fou Gallery è lieta di annunciare la mostra Crafting the Past from the Future, che si svolgerà dal 15 gennaio 2022 al 13 marzo 2022. La mostra presenta trentacinque opere d’arte dei primi del Novecento fino all’epoca contemporanea. Questa selezione di opere d’arte consente ai visitatori di viaggiare nel tempo e di riconoscere il continuo sforzo degli artisti nell’esplorazione dei ruoli mutevoli dell’artigianato. Questa esibizione mostrerà come artisti o artigiani hanno avuto visioni ricche del passato e del futuro e come le loro opere d’arte sono nate da queste immaginazioni.
Nel nostro mondo proto-metaverso di lavoro da casa, arte dell’AI e auto senza conducente, le persone stanno riconsiderando cosa significa “creare” qualcosa dai materiali fisici che ci circondano. Sebbene questa mostra presenti artisti/artigiani provenienti dalla Cina e dal Giappone, le loro opere riflettono i dibattiti globali sui concetti contestati di artigianato e arte. Alcuni artisti/artigiani considerano ancora l’approccio materiale come la base dell’artigianato, ma manipolano creativamente i materiali per includere memorie personali o collettive che meritano un discorso elevato come quello per l’arte. Sueharu Fukami (nato nel 1947) scelse il tradizionale Seihakuji (qingbai in cinese) come suo mezzo creativo e incorporò la tecnica di colata a barbottina ad alta pressione nel suo processo di creazione artistica. Ha utilizzato elementi come spade da samurai, raffiguranti un’onda e foglie per promuovere la sua ricerca della perfezione nel colore e nella forma. Per Meng Du (nata nel 1986), il vetro è un materiale che può portare preoccupazioni umanistiche. Nella sua serie Everywhere Nowhere II, i piccioni, fusi con vetro e argento, siedono su colonne di cemento o direttamente sulla sabbia, con le teste piene di finte perle. Ispirati dalla sua esperienza personale nell’area metropolitana, i piccioni conservano i sentimenti di confusione e nostalgia che l’artista provava in quell’epoca.
Alcuni potrebbero vedere l’artigianato del futuro indistinguibile dall’arte in quanto vengono affrontate delle idee astratte, comprese le crisi e le soluzioni del mondo, o addirittura temi che hanno la capacità di sollevare poste politiche controverse. Kyoko Ibe (nata nel 1941) ha lavorato con washi, carta tradizionale giapponese fatta a mano, che per lei incarna il tradizionale senso giapponese di unità con la natura. Le sue opere rispondono a temi come la sostenibilità, poiché il riciclaggio del washi dà un nuovo significato alla vecchia idea di kankonshi (“carta con la sua anima riportata in vita”).
Shuyi Cao (nata nel 1990) ha lavorato con molteplici mezzi. Ha impiegato approcci alchemici nella sua creazione artistica e nella produzione di conoscenza. La sua serie Stone Will Call You Sporadic emula vari paesaggi e utilizza esemplari di insetti per sondare come l’Antropocene si inserisce nella storia della terra. Wanying Liang (nata nel 1989) lavora principalmente con l’argilla per creare sculture espressive. La sua serie Woman as Vessel non solo mostra il fascino dell’artista per i fiori ed i semi, ma incorpora anche i suoi ricordi della madre e la sua stessa esperienza di madre in quanto collega l’artigianato con le discussioni sul femminismo. Forse, non c’è modo per recuperare la distinzione tra artigianato ed arte.
In contrasto con le suddette opere contemporanee, i mestieri del secolo scorso possono sembrare realizzare oggetti tradizionali ed apolitici che si concentrano sulle qualità formali. Tuttavia, ai loro tempi, quegli artisti/artigiani erano dei pionieri. Hanno enfatizzato l’estetica antimoderna e fatta a mano del lavoro molto ignorato della produzione artigianale. Come prodotti della rivoluzione industriale, i movimenti delle arti e dei mestieri iniziarono in Inghilterra e si diffusero rapidamente in altre parti del mondo, inclusa l’Asia orientale. Questi movimenti intellettuali hanno portato le persone a reagire contro la desacralizzazione della realtà materiale nell’artigianato prodotto in serie. In questa mostra, il paravento di Isshῡ Saiuchi (nato nel 1910), i cestini di bambù di Tomio Munemi e gli anonimi inro, scatole per scrivere e vassoi laccati di artisti giapponesi dimostrano l’amore degli artisti per i loro materiali. L’artigianato ha smesso di riguardare solo il lavoro, ma più la dignità. Questo gruppo di opere mette in evidenza elementi naturali, design semplice e talvolta anche l’anonimato dell’artigiano.
Dall’arte popolare per la grande massa di persone alle nuove tecnologie o ai mestieri basati sui materiali che sono quasi indistinguibili dalle belle arti, questa mostra esamina come artisti/artigiani di epoche diverse hanno rinnovato il concetto di artigianato. Le loro opere possono forse consigliarci come recuperare la bellezza dal nostro mondo fisico in rapido degrado in mezzo a una rivoluzione digitale illimitata.
BIOGRAFIA – ARTISTI SELEZIONATI
Cao Shuyi (nata nel 1990, Guangzhou, Cina) è un artista che vive a New York la cui pratica esplora gli approcci alchemici a partire dalla creazione di oggetti e dalla produzione di conoscenza. Ha conseguito un Bachelor of Laws presso la Fudan University di Shanghai (2013), un M.A. in Public Administration presso la Fudan University (2016), un M.F.A. dalla Parsons School of Design, New York (2018). Il suo lavoro è stato ampiamente esposto negli Stati Uniti ed in Cina. Tra le mostre recenti: Reshape, Today Art Museum, Pechino (2021); Do Not Black Out, Ming Contemporary Art Museum, Shanghai (2021); Let’s try listening again: 13° A.I.R. Biennale, A.I.R. Galleria, New York (2019); Installazione site-specific per MASSMoca, North Adams, Massachusetts (2018). Ha ricevuto numerosi premi internazionali, tra cui il Today Art Museum Wang Shikuo Nomination Award (Pechino, 2021), The New School Tishman Environment and Design Center Research Grant (New York, 2021), finalista Hyundai Blue Prize 2020 (Pechino, 2020) , Community Outreach Grant, programma Assets for Artists di MASS MoCA (New York, 2018).
Meng Du (nata nel 1986, Pechino, Cina) si è laureata al programma di Graphic Design della Central Academy of Fine Arts, Beijing (BFA) nel 2008 ed al programma di Digital Art presso il Department of Glass Program del Rochester Institute of Technology (MFA) a 2013. Attualmente vive e lavora a Pechino. Il suo lavoro è continuatmente esposto in Cina, Europa e negli Stati Uniti. Le sue mostre recenti includono: Finding Hidden Genius: Vivian Maier, Today Art Museum, Pechino (2021); Mind the Gap, The Delaware Contemporary, USA (2020); Meng Du: Embers, Fou Gallery, New York (2019); Meng Du: The Room, Museo del vetro di Shanghai, Shanghai (2018). Du è stato invitata a tenere conferenze a YiXi (2020) e ROG International Art Project Online Symposium (2020). Nel 2016 ha vinto la Menzione d’Onore per The International Exhibition of Glass Kanazawa (Kanazawa, Giappone). Nel 2018 ha vinto il Saxe Emerging Artist Award 2018 alla 48a Glass Art Society Conference (Venezia, Italia). È l’artista più giovane che ha presentato una mostra personale allo Shanghai Museum of Glass.
Tsuji Hokuyosai II (1909–1999, Kagawa, Giappone) è un noto artista giapponese della lacca Maki-e. Tsuji Hokuyosai II ha mostrato per la prima volta il suo lavoro a livello nazionale nella mostra speciale per celebrare il 2600° anniversario della fondazione dell’Impero del Giappone, tenutasi nel 1940. Dopo la seconda guerra mondiale, ha dato un importante contributo all’arte della lacca nella sua nativa prefettura di Kagawa . Più recentemente il suo lavoro è stato presentato alla Kagawa Maki-e Exhibition, Takamatsu City, Giappone (2020).
Kyoko Ibe (nata nel 1941, Nagoya, Giappone) si è guadagnata la reputazione di una delle principali artiste giapponesi con le sue installazioni su larga scala di washi, nota come carta tradizionale giapponese. Ibe è ora una tra gli artisti più importanti e rispettati del Giappone che utilizza questo mezzo, creando installazioni site-specific e scenografie teatrali che possono riempire grandi spazi architettonici, oltre a pannelli e paraventi di dimensioni più domestiche modellati con documenti antichi tinti e spappolati originariamente spennellati con grafia a inchiostro sumi. Nominata dal governo giapponese come consulente speciale per gli scambi culturali, Ibe ha lavorato in molte parti del mondo come ambasciatrice internazionale per promuovera l conoscenza della carta washi. La sua mostra personale Washi Tales: The Paper Art of Ibe Kyoko si è tenuta al Los Angeles County Museum of Art nel 2011. Nel 2016 Asia Society (New York) ha presentato “Recycling: Washi Tales”, uno spettacolo teatrale su quattro racconti sulla produzione della carta , in cui il lavoro di Ibe ha avuto un ruolo di primo piano. Le opere di Ibe sono nella collezione di molti musei in tutto il mondo, tra cui Art Institute of Chicago (Chicago), Kyoto Institute of Technology Museum (Kyoto), Los Angeles County Museum (Los Angeles), Nelson-Atkins Museum of Art (Kansas City, U, SA), Nordjyllands Kunstmuseum (Aalborg, Danimarca) e Utah Fine Art Museum (Salt Lake City, USA), tra gli altri.
Si pensa che Sekigawa Katsunobu (considerqazioni del 19 ° secolo, Giappone) abbia lavorato nel periodo Edo (1615–1868), il più delle volte firmando il suo inro con il nome di famiglia Sekigawa seguito dal suo nome personale Katsunobu, come marchio, racchiuso in un elaborato vaso laccato rosso, suggerendo che fosse collegato al laboratorio Kajikawa, che è uno dei maggiori centri di produzione di lacche pregiate nella città di Edo dal XVII secolo.
Fukami Sueharu (nato nel 1947, Kyoto, Giappone) è uno degli artisti ceramisti giapponesi più famosi. Attualmente lavora e vive a Kyoto, in Giappone. Nato nel 1947 da una famiglia di Kyoto che produceva stoviglie in porcellana, Sueharu Fukami è stato esposto in tenera età ad una varietà di stili e metodi di lavoro della ceramica, sperimentando ampiamente prima di sviluppare una pratica unica che gli è valsa una reputazione globale sia per la maestria tecnica che per ricerca risoluta della perfezione nella forma e nella finitura. I successi artistici di Fukami sono stati riconosciuti da una vasta gamma di onorificenze tra cui il Gran Premio all’Esposizione Internazionale della Ceramica a Faenza, in Italia, e due Medaglie d’Oro dalla Japan Ceramics Society. Le opere di Fukami sono nella collezione di molti musei in tutto il mondo, tra cui il Metropolitan Museum of Art (New York), Art Institute of Chicago (Chicago), Brooklyn Museum (New York), British Museum (Londra), Musée National de Céramique (Sèvres, Francia), National Museum of Modern Art (Tokyo), National Museum of Modern Art (Kyoto), National Museum of History (Taipei), Museum of Fine Art (Boston) e Victoria and Albert Museum (Londra).
Wanying Liang (nata nel 1989, Weinan, provincia dello Shaanxi, Cina) è un’artista che lavora con l’argilla come mezzo principale per creare sculture ed installazioni espressive. Ha ricevuto BFA dalla China Central Academy of Fine Art di Pechino (2011). Prima di trasferirsi in America per studiare ceramica alla Alfred University nel 2016, Liang ha aperto il suo studio a Jingdezhen per realizzare opere d’arte e stoviglie. Attualmente vive e lavora nello Stato di New York. Dal 2018 ad oggi, le sue opere sono state ampiamente esposte negli Stati Uniti, nel Regno Unito ed in Cina. Tra le sue mostre recenti: Blanc de Chine – Contemporary, The Scottish Gallery, Edimburgo (2020); Collect International Art Fair for Modern Craft and Design, Somerset House, Londra (2020); Blanc de Chine, A Continuous Conversation, V&A Museum, Londra (2019–2020); Mostra Contemporary Asian Ceramics Exchange, Crafts Museum of China Academy of Arts, Hangzhou, Cina (2019).
Lin Yan (nata nel 1961, Pechino, Cina) Nata a Pechino, in Cina, da una prestigiosa famiglia di artisti, Lin è stata fortemente influenzata dalla sua famiglia d’arte sin dall’infanzia. Come terza generazione della famiglia, la pratica di Lin Yan è profondamente radicata nello spirito artistico della sua famiglia dove ha imparato a sviluppare il proprio linguaggio artistico indipendente. Dopo essersi diplomata alla Central Academy of Fine Arts nel 1984, Lin ha proseguito gli studi presso L’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts a Parigi nel 1985. Attualmente vive e lavora a New York. Nel 2005, ha iniziato a utilizzare la carta Xuan fatta a mano come mezzo per la creazione. Con la carta Xuan più semplice e l’inchiostro bianco e nero, crea un senso di peso e stratificazione. Installazioni con caratteristiche architettoniche e sculture con personaggi pittorici ampliano il suo linguaggio artistico. Lin Yan ha tenuto mostre personali e collettive presso importanti istituzioni internazionali, tra cui il Museum of Chinese in America (New York), The National Art Museum in China (Pechino), Minsheng Art Museum (Pechino), Today Art Museum (Pechino), Dresda State Art Collection (Germania), He Xiangning Art Museum (Shenzhen), ecc. Le sue opere sono state incluse nelle collezioni permanenti di istituzioni pubbliche, tra cui Deutsche Bank Art Corporate Citizenship (New York), White Rabbit Gallery (Sydney), Chengdu Museo d’Arte Contemporanea, Museo Long (Shanghai), Museo Pang Xunqin (Changshu), Museo Nazionale Cinese (Pechino), Museo dell’Accademia Centrale di Belle Arti (Pechino), ecc.
Isshū Saiuchi (nato nel 1910, Tokyo, Giappone) Con un nome di nascita come Kōzō, Isshū Saiuchi visse a Tokyo per la maggior parte della sua vita. Ha imparato a dipingere da Yamamoto Shunkyo (1872–1933) e Yamaguchi Kayō (1899–1984) e ha studiato pittura alla scuola Maruyama-Shijō. Fu selezionato per la prima volta alla Bunten Art Exhibition (Giappone Fine Arts Exhibition) tenutasi per la prima volta nel 1936, e da allora vinse consecutivamente premi in numerose mostre d’arte tra cui Shinbunten Art Exhibition (4 e 5) e Nitten Art Exhibitions ( 1941, 1942, 1946, 1946, 1948, 1949, 1950). Ha anche tenuto attivamente le sue mostre private ed è diventato uno degli artisti di spicco durante il suo periodo nel circolo artistico di Kyoto.
Arai Sōu (1890–1967, Prefettura di Ibaraki, Giappone) studiò in un’accademia privata a Kyoto ed era anche un discepolo di Yokoyama Taikan, la cui influenza può essere chiaramente vista in questa composizione di catene montuose sfuggenti avvolte nelle nuvole. Nel settembre 1937 faceva parte di un gruppo di otto artisti che si staccarono dal Meiro Bijutsu Renmei (fondato nel 1934) per formare lo Shin Kokuga Kyōkai.
BIOGRAFIA – CURATRICI
Xiaorong Liu (nata nel 1995, Hangzhou, Cina) è una scrittrice freelance, curatrice e attualmente una Ishibashi Scholar presso la Tokyo University of the Arts. Si è diplomata in storia dell’arte e matematica al Wellesley College ed ha conseguito il master in Studi sull’Asia orientale presso la Yale University. Ha collaborato alla realizzazione della mostra Art and China after 1989 al Guggenheim Museum (New York) ed alla mostra fotografica Icons of New China a Yale-China (New Haven, Connecticut). Ha anche curato la mostra online inaugurale Legacies of Literati alla Fou Gallery (New York) ed ha guidato il progetto Cafe China x Anne Muntges (New York) sostenuto da Art in Touch nel 2021. Come scrittrice freelance, ha scritto per CAFA ART INFO ed ha anche lavorato come editrice cinese per l’antologia di saggi della conferenza Museum 2050 Looking to New Institutional Models.
Echo He (nata nel 1986, Chengdu, Cina) è curatrice, gallerista, artista modista e scrittrice a New York. È responsabile programmazione e sensibilizzazione presso Pace Gallery. Nel 2013 ha fondato ed ha continuato a gestire Fou Gallery, uno spazio espositivo unico ed un laboratorio creativo situato a New York. La Fou Gallery è considerata un modello notevole e praticabile per spazi espositivi alternativi e un’ecologia che prospera al di fuori della cultura della galleria tradizionale ed ha ricevuto un’attenzione significativa a livello globale. Echo ha ricevuto il Certificato di Merito dell’Assemblea dello Stato di New York (New York, 2020), gli Yishu Awards for Writing and Curating Contemporary Chinese Art (Shanghai, 2016) ed il Congressional Recognition (New York, 2018) . È una scrittrice prolifica e contribuisce regolarmente a una varietà di pubblicazioni, tra cui The Art Newspaper (Cina), Lens, Art China, Marie Claire, World Heritage Geography, Condé Nast Traveller, tra gli altri. Ha ricevuto il suo B.A. ed un Master in Business Administration presso l’Università di Pechino ed un Master in Visual Arts Administration presso la New York University.
FOU GALLERY è una galleria in appartamento ed un laboratorio creativo con sede a New York. Fou si dedica alla promozione dei talenti creativi e dei progetti del nostro tempo. Come suggerisce il nome, Fou è sia una negazione del modello di galleria commerciale tradizionale che un contributo attivo ad una nuova comunità artistica organica. Con la convinzione che usufruire dell’arte sia una parte essenziale della vita quotidiana, Fou offre una selezione vivace e stimolante di opere originali d’arte e design ed ospita vari eventi per creare uno spazio artistico diversificato ed accessibile.
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