Come la fondatrice di J CHEN PROJECT ha trasformato la tensione diasporica in un nuovo linguaggio del corpo
Danzatrice, coreografa e fondatrice, Jessica Chen è la forza ritmica dietro J CHEN PROJECT.
Jessica Chen è una ballerina, regista, coreografa, rinomata per la produzione di coreografie e ritmi viscerali ed emotivamente intensi, nonché fondatrice e direttrice artistica di J CHEN PROJECT, compagnia di danza moderna con sede a New York. La sua carriera di ballerina è iniziata in giovane età, quando si esibiva in danze tradizionali presso la scuola cinese il sabato, come la danza del pavone Dai e il Kŏngquè wüge. La danza è stata il modo in cui ha trovato il suo posto nel mondo. Per lei, la danza è un corpo che parla e racconta una storia. È una professionista che non si limita a riempire lo spazio, ma lo rivendica. Jessica Chen insegna che l’appartenenza non è un luogo che si trova, ma un ritmo che si crea. Il suo lavoro risuona con particolare urgenza; Come artista che esplora confini culturali, linguistici e istituzionali, continua ad ampliare le possibilità di rappresentazione, non solo raccontando storie, ma rimodellando il modo in cui vengono vissute fisicamente ed emotivamente. Ha potuto esplorare e creare la propria voce artistica come ballerina, coreografa e regista quando ha fondato J CHEN PROJECT, un 501c3 nonprofit gruppo di danza contemporanea, nel 2008.
Lo scopo della compagnia è produrre opere di danza che decostruiscano l’identità, la diversità culturale e l’appartenenza, promuovendo al contempo un accesso radicale e paritario alle arti. Le sue creazioni sono intrinsecamente multiculturali. Si considera un collegamento tra due nazioni con storie complesse e profonde, essendo sino-americana. La sua arte si basa sui ricordi condivisi, sulla sua ascendenza e su ciò che unisce le persone in una comunità. La sua voce creativa è plasmata dalle sfumature dell’esperienza diasporica: la negoziazione tra eredità e assimilazione, silenzio ed espressione, visibilità e cancellazione. Che si tratti di pezzi d’insieme intimi o di produzioni teatrali più ampie, la coreografia è sia un’indagine che un invito, un dialogo incarnato tra performer e pubblico. Dal suo lavoro al Lincoln Center e al MOCA alle sue collaborazioni globali a Shanghai e Taiwan, le sue coreografie sono celebrate per la loro “intraducibile” profondità emotiva. È stata nominata per il Bessie Award come Outstanding Choreographer/Creator nel 2023 e per il Broadway World Regional Productions Best Choreography Award nel 2024. Ha ricevuto il premio GALLIM Moving Women 2021. Il suo acclamato spettacolo, AAPI HEROES, è stato presentato al Museum of Chinese in America per LNY25. Ha lavorato a SUMO al Public Theater in qualità di Director Fellow del SDCF 2025. Jessica è anche un entusiasta membro della SDC.
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Quando hai capito di voler intraprendere la carriera di ballerina professionista? Cosa ti ha motivata? Quanti anni avevi quando hai iniziato ad allenarti?
Avevo sei anni. I miei genitori mi raccontavano che qualcosa era cambiato in me nel momento in cui ho iniziato. Il movimento aveva un senso che nessun altro aveva. Durante la mia infanzia, mi sono esibita con i Los Angeles Chinese Folk Dancers sotto la direzione di Olivia Liou. Ci siamo esibite in tutta Los Angeles davanti a folle di migliaia di persone. Non ho mai avuto paura del palcoscenico. Il palco mi faceva sentire a casa. Il momento in cui ho deciso di intraprendere una carriera professionale nelle arti è stato fuori dalla Ailey School a New York, una mattina dopo le lezioni di danza. Mi chiedevo se fossi davvero dedita o se stessi solo giocando. La verità, c’era una vocina nella mia testa che diceva: “Non ci sto ancora provando davvero, ma se succede, succede, mi lascerò trasportare, forse verrò scoperta“. Quindi la mia domanda successiva è stata: “Lo voglio davvero?“. A volte bisogna dargli un nome. Assumersene la responsabilità. Diciamo che correrò questo rischio, il che significa che potrei fallire o mettermi in imbarazzo, ma darò tutto me stesso. Nessun rimpianto. Nessun dubbio su cosa sarebbe potuto succedere se ci avessi provato. Quello è stato il momento. Ho detto ad alta voce: “Sto intraprendendo una carriera come ballerina professionista“.
Cosa ti emoziona di più? Potresti condividere l’atmosfera e cosa provavi prima del tuo debutto sul palco?
Onestamente, non ricordo il mio debutto sul palco. Ero così giovane quando ho iniziato a esibirmi che era semplicemente la vita. Quando mi sono trasferita a New York, ho subito iniziato a fare piccole esibizioni, quindi non c’è stato un singolo momento grandioso a cui posso fare riferimento. Il palco era sempre lì. Ciò che mi emoziona è la preparazione e poi quella sensazione quando esci davvero. C’è una potenza che hai sul palco che è difficile da descrivere. Una calma. Sembra che il tempo si fermi, o che tu abbia il controllo del tempo. Devi fare affidamento sul tuo allenamento, sulla tua pratica e, soprattutto, sul tuo istinto. Non è qualcosa che puoi fabbricare o pianificare. Devi essere abbastanza presente da lasciare che accada.
Quali limiti ti ha aiutato a superare la danza nella vita, oltre alla forza di volontà, alla passione e alla determinazione? Quale solidità ti ha impartito?
La danza mi ha insegnato a prendere il mio spazio senza scuse. Crescendo da cinese-americana, c’è spesso questa pressione a essere più piccola, più silenziosa, più gradevole. La palestra è stato uno dei primi posti in cui ho imparato che prendere il mio spazio non è una trasgressione. È necessario. È il punto. Mi ha anche dato un rapporto con il fallimento che non avrei potuto trovare da nessun’altra parte. Nella danza, si cade, si ricomincia, si migliora. Non si possono saltare le parti difficili. E poi, nel 2012, ho avuto un incidente d’auto quasi fatale. Sono rimasta in coma per 13 giorni dopo otto ore di intervento chirurgico al cervello. Mi sono svegliata con ossa rotte in tutto il corpo e ho dovuto reimparare a respirare, sedermi, stare in piedi e camminare. La danza mi ha ricostruita. Sopravvivere a tutto questo mi ha insegnato qualcosa che non avrei potuto imparare in nessun altro modo: che il corpo è più resiliente di quanto la mente creda, e che il movimento non è solo una forma d’arte. È un’ancora di salvezza. Condivido per connettermi.
Sei direttrice artistica e coreografa di J CHEN PROJECT. Qual è il processo creativo per creare nuove coreografie per gli spettacoli? Da dove prendi ispirazione?
Il mio processo inizia sempre con una domanda, non con una risposta. Qualcosa con cui mi confronto, qualcosa di irrisolto, qualcosa che devo capire meglio di me stessa o del mondo. Sono attratta da ciò che non si risolve in modo netto: identità, appartenenza, cosa significa essere sino-americani in questo Paese in questo momento.
Come artista sino-americana, come è cambiato il tuo senso di narrazione ed appartenenza nel corso della tua carriera, e come questa trasformazione ha influenzato il modo in cui crei coreografie?
Ho iniziato con la danza popolare cinese, dove ogni danza racconta una storia. Quello è stato il mio primo approccio con la narrazione e con le mie radici. Quando ho iniziato a creare le mie opere, ho iniziato a raccontare le mie storie. Poi mi sono avvicinata al teatro e le parole sono diventate un altro strumento.
La mitologia è sempre stata un punto di ingresso naturale per me. Essendo cresciuta negli Stati Uniti, non ho mai vissuto nella terra dei miei antenati, ma la mitologia ha colmato questa distanza. Amavo il Re Scimmia. Amavo la storia di come erano ordinati gli animali dello zodiaco cinese. Sono dell’anno del topo, e un tempo ne ero risentita, finché non ho scoperto che il topo era arrivato primo. La narrazione ha il suo modo di fare questo. Cambia il modo in cui ti vedi. All’inizio della mia carriera c’era un’enorme pressione a tradurre me stessa, a rendere la mia esperienza comprensibile ad un pubblico che non condivideva il mio background. Col tempo ho smesso. L’opera più specifica è sempre la più universale. Ho imparato che l’appartenenza non è qualcosa che si trova. È qualcosa che si costruisce.
Il tuo lavoro esplora l’identità e l’esperienza umana attraverso il movimento e la danza. Credi che il corpo possa comunicare una verità più viscerale del linguaggio, qualcosa che va oltre ciò che un testo o un libro possono esprimere da soli?
Sì, assolutamente. Il linguaggio è straordinario e ha dei limiti. La danza invece apre l’immaginazione in un modo che le parole da sole non possono. Un braccio sospeso in aria per quella che sembra un’eternità, può comunicare dolore, gioia, sfida e desiderio, tutto in una volta. L’esperienza viscerale di osservare un corpo in movimento può suscitare un profondo senso di empatia. Questo tipo di connessione non richiede traduzione.
Come riesci a bilanciare il desiderio di raccontare storie profondamente personali e specifiche senza sentire la pressione di essere un “portavoce” dell’intera esperienza sino-americana?
La rappresentazione è importante. Sono grata di avere una piattaforma per creare e condividere la mia arte. Crescendo, sono stata circondata dalla comunità sino-americana, ma non ho mai visto le mie storie rappresentate sui media americani o sui palcoscenici tradizionali. Questa assenza ti plasma in modi che non comprendi appieno finché non sei più grande. Quindi, quando creo un’opera, penso alla giovane tra il pubblico che potrebbe vedersi sul palco per la prima volta.
Potresti raccontarci un aneddoto significativo del backstage che conserva ancora un posto speciale nel tuo cuore?
C’è un momento a cui torno spesso. Stavo eseguendo un duetto che avevo coreografato e, a metà esibizione, la musica è saltata, balzando in avanti e tagliando un’intera sezione. Il finale è stato una serie di sollevamenti intensi: mi lanciavo sul mio partner e lui mi faceva girare sulle sue spalle. Quei sollevamenti dipendevano completamente dalla musica per tempismo e sicurezza. Sul palco, di fronte ad un pubblico gremito, ci siamo guardati. Lui ha detto a bassa voce: “La musica è saltata?”. Ho risposto: “Sì”. Lui ha chiesto: “Dovremmo saltare fino alla fine?”. Ho risposto: “Sì”. E lo abbiamo fatto, senza soluzione di continuità.
Quel momento racchiude tutto ciò in cui credo di questo lavoro. Abbiamo preso insieme una decisione in una frazione di secondo, sotto pressione, e ci ha unito, perché ci fidavamo completamente l’uno dell’altra. Mi sono sempre sentita più al sicuro sul palco. Questa sicurezza deriva dalla fiducia. Questa è la cultura che cerco di costruire in ogni sala prove che dirigo. Comunità. Fiducia. Cameratismo. Senza queste cose, gli ascensori non funzionano.
La Giornata Internazionale della Donna 2026 sottolinea l’idea che quando offriamo supporto, creiamo progresso. Come leader di una compagnia di danza no-profit, in che modo l’offerta di opportunità ai ballerini ha approfondito e arricchito la visione artistica dei tuoi ultimi lavori?
Supportare gli artisti è fondamentale per l’attività di J CHEN PROJECT. Creo opportunità e costruisco un ambiente in cui i ballerini possano dare il meglio di sé. Quando le persone si sentono supportate, si impegnano al massimo. E quell’energia è presente nella sala quando creiamo.
Hai descritto il corpo come un “contenitore politico”. Nel contesto del focus della Giornata Internazionale della Donna di quest’anno su “Diritti e Giustizia”, in che modo la danza può fungere da forma di “Azione” per le donne le cui storie sono state emarginate legalmente o socialmente?
Il corpo è sempre stato un luogo politico, soprattutto i corpi delle donne e delle donne di colore. Le leggi sono scritte sui nostri corpi. Le norme sociali sono imposte su di loro. Quindi, quando mettiamo quei corpi sul palco e li lasciamo parlare, è un atto potente. La danza recupera storie che sono state cancellate dalla nostra memoria collettiva. Trasforma il silenzio in voce e l’invisibilità in presenza. Per le donne le cui storie sono state trascurate o ignorate, il palcoscenico è un atto di rivendicazione. Non si può cancellare ciò di cui si è stati testimoni.
Foto cortesemente concesse da Jessica Chen
Ciao! My name is Dominique. I’m Italian and I’m proud to be a mix. My father was an Italian chemical engineer and high school teacher, with Greek and Polish heritage. My mother is Haitian, she was high school language teacher, with Dominican, Spanish, French, Portuguese, African and Native American heritage. Being a mix makes me appreciate to want to understand different cultures and lifestyles. I grew up in Italy, lived few years in Haiti, travel around main European capitals, lived seven years in China, six in Spain and UK. Traveling makes me feel that we can learn something from every situation in every part of the world.