Intervista a Jenny Woo che con la sua chitarra esegue le sue melodie ed esplora il mondo condividendo messaggi su lealtà, valore e umanità
Jenny Woo è una cantautrice e chitarrista canadese, famosa per la sua fusione unica di melodie acustiche con l’energia grezza dell’Oi! e del punk rock. Nel 2008, ha composto alcune canzoni con la sua chitarra acustica, fondendo i temi tradizionali dei movimenti punk e Oi! con la semplicità della musica folk, ed ha iniziato a eseguirle in eventi punk e bar locali. Le sue prime canzoni erano semplici e affrontavano temi come amicizia, lealtà, carriere insoddisfacenti e indifferenza. Nel marzo 2009, Jenny ha registrato una demo di cinque tracce e l’ha distribuita in modo indipendente. Nel corso della sua carriera, Jenny ha pubblicato numerosi album, tra cui “Alberta Rose” (2011), “My Revenge” (2013), “Proud of Every Scar” (2016), “Tear Down Walls” (2018), e “Rebels Rule – Rule #1” (2021). I suoi testi spesso esplorano temi di empowerment personale, politica dell’identità e problemi sociali, riflettendo il suo impegno per l’autenticità e l’auto espressione.
La dedizione di Jenny alla sua arte l’ha portata a esibirsi in oltre 65 paesi, condividendo la sua musica con un pubblico eterogeneo in tutto il mondo. Ha anche preso parte a vari progetti musicali, tra cui la punk band di Montreal Birds of Prey e la street punk band Jenny Woo’s Holy Flame. Inoltre, è impegnata a dare potere alle donne nella scena punk. Il suo progetto “Athena” ha incoraggiato alcune autrici femminili in questo progetto collettivo in corso il cui scopo è unire le donne attraverso la sottocultura attraverso la musica, l’arte e l’azione. “Athena” è stato creato in onore delle donne forti ovunque, mosse dallo slogan “possiamo conoscerle, possiamo essere loro e possiamo crescerle”. La resilienza e la passione di Jenny Woo abbattono le barriere ed ispirano a ricordare l’importanza del valore della meritocrazia, della lealtà, dell’etica all’interno delle comunità.
Jenny Woo’s Facebook | Instagram | Youtube
Puoi raccontarci cosa ti ha spinto ad iniziare una carriera come cantautrice e musicista ed a scegliere la strada dell’Oi! acustico? Ti sei interessata alla musica fin dall’infanzia?
Ho sempre avuto qualcosa da dire e ho sempre amato il potere della musica, quindi diventare una cantautrice ed una musicista è stato un percorso naturale per me. Ricordo che da bambina ascoltavo vecchi album rock’n’roll (The Beatles, Elvis Presley, CCR) con mio padre e amavo assolutamente il modo in cui il ritmo, la voce e l’intenzione dietro le frequenze. Ho iniziato la mia formazione come musicista con il pianoforte in età molto giovane e poi ho iniziato a prendere la chitarra quando mi sono interessata alla musica punk da adolescente. Amavo la rabbia, l’autenticità del punk e ho iniziato ad appassionarmi alla musica oi! quando i valori del punk (nessun futuro/vivi per il presente) non mi attraevano più. Amavo il messaggio dietro oi!: l’idea che dovremmo essere orgogliosi di chi siamo per ciò per cui lavoriamo, che la comunità, l’amicizia e la lealtà sono di grande importanza.
Sfortunatamente, la scena oi! è sempre stata dominata dagli uomini e quando ho fatto un provino come chitarrista per diverse band oi! locali nella mia città natale, sono stata respinta perché i ragazzi credevano che sarebbe stato impossibile essere considerati una band “seria” se ci fosse stata una donna sul palco con loro. Ero davvero arrabbiata e così ho deciso di iniziare il mio progetto oi! da solista, ed è così che ho iniziato il genere oi! acustico. Suonare in acustico mi ha permesso di accompagnare la mia voce e i miei testi con la chitarra senza bisogno di un batterista, un bassista o di molta amplificazione e attrezzatura. Ho pensato che fosse meglio suonare da sola che non suonare affatto.
Hai citato Johnny Cash come influenza. Quali aspetti della sua musica o della sua persona risuonano con te e come hanno plasmato la tua direzione artistica?
Penso che Johnny Cash, l’uomo in nero, attragga molte persone con la sua immagine di fuorilegge della classe operaia. Nelle sue canzoni e nel suo messaggio parla a nome del lavoratore di tutti i giorni, della persona che ha piccole speranze e sogni all’interno della grande macchina del sistema. Parla a persone che vogliono ancora sentirsi importanti quando provengono da umili origini, e la sua storia parla del successo di un “uomo comune” che è diventato grande con la sua musica. Ho davvero amato il modo in cui è stato in grado di accompagnarsi con la chitarra, sia melodicamente che ritmicamente. Il suo spettacolo da solista ha dimostrato che poteva catturare un pubblico senza una band, solo con la sua voce e una chitarra. Ho amato l’idea delle immagini nere che simboleggiano sia un dolore e una tristezza profona, sia il cavallo nero e l’eroe inaspettato che si solleva. Le sue canzoni come “Get Rhythm” hanno influenzato alcune delle mie idee di scrittura di canzoni, così come l’accompagnamento ritmico del mio modo di suonare la chitarra.
Il suo viaggio musicale è iniziato all’età di cinque anni, quando ha imparato a suonare il pianoforte sotto la guida del suo patrigno, un insegnante di pianoforte. A tredici anni, aveva ampliato il suo repertorio per includere chitarra e batteria, spinta dal desiderio di formare una band punk. La sua transizione nella sottocultura skinhead è stata influenzata dai suoi valori di lealtà, comunità ed orgoglio, che risuonavano profondamente con le sue convinzioni personali
La tua musica unisce l’energia grezza dell’oi! con l’essenza spoglia delle performance acustiche. Cosa ti ha ispirato a unire questi stili apparentemente contrastanti e come affronti l’equilibrio tra l’intensità del punk e le melodie acustiche?
Penso che possiamo ricavare potenza e messaggio dalla musica attraverso una varietà di mezzi. Con molta distorsione e batteria pesante, possiamo esprimere una sorta di urlo primordiale e rabbia che deriva da volume e intensità. Con testi ben piazzati, sicurezza e un’interpretazione autentica possiamo esprimere la stessa rabbia e verità attraverso una sola chitarra acustica ed una voce. Penso che tutta la musica tragga la sua potenza dall’onestà del suo messaggio. Esteticamente sono molto attratta dalla musica più pesante con molta più distorsione, ma dato che ero sulla strada per diventare un’ artista solista sapevo che questo non era necessariamente disponibile per me come mezzo.
Quindi ho dovuto iniziare a pensare a modi in cui avrei potuto trasmettere lo stesso messaggio di rabbia e forza attraverso un metodo diverso e ho scoperto che potevo fondere l’intensità dell’oi! tradizionale. Musica con la chiarezza e la sicurezza della musica essenziale. All’inizio ho trovato estremamente difficile trovare la sicurezza di esprimere i miei testi e le mie intenzioni senza nascondermi dietro batteria e distorsioni. Ci si può sentire molto vulnerabili quando si è soli sul palco con solo la propria voce e chitarra. Tuttavia, con il tempo ho trovato un modo per ritagliarmi un mio sound che bilanciasse sia le mie influenze che la mia realtà.
Incorpori anche elementi del folk tradizionale canadese. Come vedi la relazione tra narrazioni folk e narrazione punk nel tuo lavoro?
La musica folk è la musica delle persone. Racconta le storie di persone comuni che attraversano momenti quotidiani di crescita, tragedia e perseveranza. Penso che la musica punk sia simile in quanto non è musica prodotta da grandi case discografiche con l’intenzione di fare soldi. La musica punk, come il folk, è musica scritta da persone vere per persone vere. Ha una produzione minima ed è condivisa direttamente tra le persone, sia con playlist condivise che con concerti dal vivo. Amo entrambi i generi musicali e ho pensato che sarebbe stato interessante creare un mix tra folk e punk in alcuni dei miei lavori per entrare in contatto con l’elemento umano fondamentale di entrambi. Ecco perché in alcune delle mie canzoni puoi sentire il banjo, lo strumming bluegrass o persino un po’ di basso acustico di base che credo sottolinei il sentimento della musica folk nelle mie canzoni sulla comunità punk e oi!.
Sei canadese di origine scozzese e cinese, in che modo le tue radici multiculturali hanno influenzato la tua scrittura di canzoni ed i tuoi temi musicali?
Le scene punk ed oi! sono dominate da artisti bianchi. Sebbene ci sia un forte messaggio antirazzista proveniente dalla comunità (una delle cose che inizialmente mi ha attratto), trovo che questo messaggio sia carente in quanto non c’è molta inclusività e rappresentanza. Molte band cantano di essere antirazziste, ma non sanno cosa si prova a essere razzisti e non danno spazio alle persone che hanno vissuto queste esperienze. Ho trovato estremamente difficile, come persona di colore, avere una vera conversazione sul razzismo all’interno di una comunità bianca che si autodefinisce antirazzista. Molte persone sono così interessate a difendere la propria posizione di inclusività e di essere antirazziste che non si rendono conto che le loro azioni stanno allontanando le persone di colore. Ad esempio, nonostante i promotori e gli organizzatori abbiano buone intenzioni, ho sempre trovato strano quando nella mia biografia si legge “Donna asiatica suona musica acustica” come la prima e più importante cosa su di me. Non ci sono quasi mai biografie di altre band che dicono “uomini bianchi che suonano musica punk”. Penso che le persone scelgano la mia etnia perché è interessante ed esotica per loro, e poiché è importante per loro la proiettano su di me invece di chiedermi del mio rapporto con la mia etnia. Sono un individuo birazziale, ma il pubblico spesso prende di mira le mie radici asiatiche perché lo feticizzano o lo trovano la parte più interessante di me. Sembra una riduzione completa della mia personalità, dei miei talenti e dei miei successi.
Sono orgogliosa delle mie origini, ma è più per la storia dell’immigrazione della mia famiglia che per i miei effettivi legami con la Cina e la cultura cinese. Spesso alle persone piace ridurre le persone a un colore ed a una certa narrazione per ottenere un “segno di spunta per la diversità”, piuttosto che lasciare che le persone di colore esprimano le loro complesse narrazioni. Questa è una cosa che deve cambiare. Inoltre, data la realtà di Internet e del mondo che ci circonda, ho ricevuto un bel po’ di meme su me stessa, sia come paziente zero del COVID (ad esempio i meme “Jenny Flu”) che con la faccia gialla. Sfortunatamente, penso che il razzismo anti-asiatico sia spesso visto come “razzismo leggero” e sia più comico e accettato di altri tipi di razzismo, anche all’interno delle comunità antirazziste. Spesso, quando questi meme vengono condivisi, per conto mio, il pubblico bianco si polarizza: o ridono o si indignano moralmente. Tuttavia, non mi chiedono mai cosa si prova a essere un bersaglio del razzismo. Tutti presumono che essere antirazzisti significhi parlare a nome delle persone di colore, ma penso che essere un vero alleato significhi stare dalla nostra parte e darci lo spazio per parlare per noi stessi. Dobbiamo migliorare nell’avere queste conversazioni. Ho provato molta rabbia, tristezza e problemi di identità su questi argomenti, che sono diventati una parte importante dei miei testi e della mia scrittura di canzoni.
Le scene punk e oi! sono spesso dominate dagli uomini. Quali sfide hai dovuto affrontare come artista donna in questi generi e come le hai superate?
Quando parlo con i miei colleghi uomini nelle scene oi! e punk delle loro “peggiori” esperienze in tour, spesso citano cose come quanto fosse difficile dormire su materassi sporchi, come l’attrezzatura audio fosse rotta, come i promoter non li pagassero per intero. Ogni volta che parlo con musiciste donne nella stessa comunità, le nostre peggiori esperienze riguardano stupri, aggressioni sessuali e violenza. Spesso non ci viene dato spazio per parlare di questi problemi e molte di noi hanno paura di parlare semplicemente perché c’è una mancanza di comprensione, empatia ed azione quando si tratta di problemi femminili nella nostra scena. Spesso ci si aspetta che le donne siano belle e snelle, mentre questi canoni di bellezza e valore non vengono proiettati sui musicisti uomini. Le donne sono tenute ad un altro standard quando si tratta di musicalità. Ad esempio, come cantanti ci si aspetta che abbiamo un’incredibile estensione, tono e presenza sul palco per essere delle “brave front woman”, mentre gli uomini possono semplicemente urlare in un microfono e stare fermi in un posto ed essere accettati. Trovo estremamente frustrante che le donne possano stare in band, suonare musica, per anni ed anni e non ricevere mai la stessa paga né lo stesso rispetto che ricevono le band maschili.
Ad esempio, nella maggior parte dei festival oi!, le musiciste vengono ingaggiate come pre-party, after-party o concerti di apertura, ma mai come headliner. In molti festival, non c’è una sola donna sul palco nonostante diverse donne acquistino i biglietti e stiano in piedi tra il pubblico. Tutti questi tipi di pregiudizi sono sfumati e non sempre evidenti, ma è chiaro che ci sono dei limiti. Come donne ci si aspetta spesso che siamo semplicemente grate di essere invitate a suonare e siamo scoraggiate dal chiedere le stesse condizioni come paga ed alloggio che hanno gli uomini. Non so se sono sempre stata la migliore nell’affrontare queste questioni. Sono stata aggredita sessualmente da promoter, membri di altre band e così via, ma ho avuto paura di parlare. Mi sento sopraffatta dal fatto di ricevere già così tante critiche sul mio corpo, sul mio aspetto, sulla qualità della mia musica, e mi sentivo come se per andare avanti dovessi seppellire molta della mia tristezza. Ho avuto momenti in cui mi mancava la forza di difendermi e chiedere di più. Ma sto cercando di migliorare. Trovo molto conforto e comunità nelle mie amiche ed in altre artiste che purtroppo hanno sofferto la stessa cosa. Mi ha aiutato enormemente sapere che non sono sola e che ci sono sempre più donne che parlano e salgono sul palco. Credo che il cambiamento arriverà.
Ti sei espressa contro i pregiudizi e le discriminazioni. Come affronti questi temi nella tua musica e quali reazioni hai incontrato da parte di un pubblico eterogeneo?
Cerco di essere sensibile al fatto che le mie esperienze sono le mie esperienze personali e non le esperienze di tutte le donne o di tutte le persone di colore. Ne scrivo spesso nella mia musica attraverso la mia lente personale. Ho molte canzoni sulla perseveranza personale e sulla ricerca di quella roccia di verità e forza nel profondo di sé che ci dà le basi per le nostre identità e i nostri sogni. Ho avuto alcune riflessioni e momenti di verità che volevo condividere nel mio album “Tear Down Walls”, ma semplicemente non riuscivo a trovare un modo per farlo in modo melodico. Quindi ho preso le parole e le ho trasformate in una poesia parlata nell’album. Questo è un mezzo molto diverso quando si tratta della scena oi!, ma ho pensato che fosse il modo migliore per condividere la mia esperienza. Non penso che la mia musica sia sempre ben accetta. Molte persone nella scena oi! dicono che sono una poser o che non so di cosa sto parlando. Ovviamente è impossibile per me avere sempre ragione, ma la verità di ogni persona è unica per se stessa.
Penso che molti spettatori sminuiscano il mio messaggio e cerchino di farmi sembrare un’idiota o una svampita perché si adatta alle loro narrazioni su chi pensano che le donne dovrebbero essere. Molte persone mi ignorano o considerano la mia musica irrilevante perché non pensano che io meriti di tenere un microfono o di prendere spazio in una scena dominata dagli uomini e prevalentemente bianca. Posso capire che non tutta la musica sia per i gusti di tutte le persone, tuttavia, la realtà è che sono una donna solista che ha continuato in questa scena per 20 anni con 7 album completi e che ha fatto migliaia di concerti in oltre 65 paesi. Quindi, che piaccia o meno la mia musica, invalidarmi ignorandomi è solo un sintomo di pregiudizio su chi pensano che possa contare in questa comunità. D’altro canto, ho ricevuto innumerevoli messaggi da donne di tutto il mondo che mi hanno sostenuto fin dall’inizio e con cui ho stretto importanti amicizie. Ho anche ricevuto calorosissimi benvenuti dalle scene punk del Sud del mondo che hanno apprezzato la mia storia ed il fatto che viaggiassi per suonare per loro. Inoltre, c’è un pubblico a cui piace la mia musica e che la suona semplicemente perché gli piace il sound e quello che faccio come musicista, il che significa molto per me.
Se potessi dissipare un equivoco sulla musica o la cultura Oi!, quale sarebbe?
Molte persone confondono la scena oi! con il razzismo. La scena oi! si basa sulla scena skinhead e quando le persone leggono questa parola la prima cosa a cui pensano spesso sono i neonazisti ed il razzismo. Tuttavia, la scena skinhead originale è nata nell’Inghilterra degli anni ’60 con un mix di pubblico caraibico e britannico. Le radici di questa cultura sono nel multiculturalismo e nella comunità ed è davvero sfortunato che una parte di questa comunità sia stata deviata verso un programma di estrema destra e che questo elemento estremista sia arrivato a definire l’intera sottocultura. La scena skinhead e la scena oi non sono una scena razzista. Sono una scena costruita da comunità internazionali che si estendono dall’America Latina all’Asia e che ha un forte messaggio antirazzista. Sfortunatamente, ci sono alcune persone che prendono ancora la parola e la usano per un messaggio razzista, ma questo è al di fuori dello spirito della nostra comunità.
L’EP Athena è stato creato da un gruppo di donne nella scena punk e skinhead, in particolare Beki Bondage (Vice Squad), Clara Byrne (Dakka Skanks), Jenny Woo, Jess Swan (Esperanza) e Rebe Kämpfer (Brutus Daughters)
Hai partecipato alla creazione di fanzine come “Subculture Spirit”. In un’epoca dominata dai media digitali, che ruolo ritieni che le fanzine cartacee giochino nella comunità punk odierna?
Volevo creare una fanzine cartacea perché mi piaceva l’idea di avere un manufatto tra le mani che resistesse alla prova del tempo. Mi piaceva l’idea di avere qualcosa a cui aggrapparmi mentre i tempi cambiano. Credo che i media cartacei giochino ancora un ruolo enorme nella comunità punk perché è importante archiviare pezzi di storia. I media digitali vanno e vengono, possono essere facilmente modificati, cambiati ed eliminati. Tuttavia, le fanzine cartacee sono una vera testimonianza del giornalismo indipendente: sono ciò che resta di un’epoca e di una verità.
Avendo suonato in oltre 65 paesi, puoi condividere un’esperienza significativa da un paese o dal backstage di un tour, in cui hai trovato la scena punk particolarmente unica o inaspettata?
Ricordo che nel 2013, quando ero in tour in Indonesia, uno dei ragazzi che veniva ai concerti e che faceva parte della crew locale di skinhead ci invitò a stare a casa sua. Si chiamava Ujank Hawkins e aveva il sorriso più grande che avessi mai visto. Viaggiavo con Diana, la proprietaria della Randale Records, e stavamo suonando set acustici da solista per il tour. Abbiamo viaggiato per 4,5 ore nella giungla su strade dissestate per arrivare a casa sua in mezzo ad una risaia. Quando siamo arrivati erano le 5:30 del mattino ed abbiamo sentito la prima chiamata alla preghiera provenire dagli altoparlanti del villaggio. La famiglia in casa era composta da circa 20 persone, donne, bambini, neonati, che dormivano tutti sul pavimento in modo che potessimo avere l’unico letto in tutta la casa. Ci siamo sentiti onorati ma anche molto dispiaciuti che ci avessero dato il loro letto! Quando ci siamo svegliati, i punk e gli skin della città sono usciti e hanno raccolto verdure fresche da cucinare per noi per colazione. Non ho mai sperimentato una simile ospitalità: la generosità di queste persone che non avevano nulla da dare ma davano tutto era travolgente. Ricordo che la casa non aveva elettricità, eppure una delle donne aveva un telefono (non so come l’abbia caricato?) e ci siamo scattati una foto tutti insieme. È stato un momento bellissimo. Un altro momento è stato quando ho suonato al Centurion in Sudafrica. Uno dei punk locali, un ragazzo di nome Izaak, aveva organizzato per me alcuni concerti locali nella zona di Johannesburg. Era di origine afrikaans e mi ha portato in giro per la città anche per turismo.
Abbiamo visitato insieme il museo dell’Apartheid e mi ha raccontato la storia della sua famiglia in Sudafrica e cosa significasse nascere nel sistema dell’Apartheid. In questo museo all’inizio si pesca una carta e, a seconda della carta, si segue un percorso diverso attraverso il museo. Lui ha pescato la carta per “nero” e io ho pescato la carta per “bianco” e abbiamo preso strade diverse. Ci siamo fermati in fondo al museo e abbiamo pianto insieme, è stato un momento di grande potenza, di esperienza dell’umanità e della storia insieme: due persone con vite totalmente diverse, che provano qualcosa di più grande di noi. Per la prima volta nella sua vita, nonostante vivesse così vicino, ha viaggiato con me a Soweto e ho potuto percepire il suo disagio, ma lo ha fatto comunque perché volevo vedere le township. In realtà non aveva mai lasciato il Sudafrica fino a quel momento, eppure c’era così tanto nuovo, per lui, da vedere e sperimentare nel suo paese. Ricordo di essermi sentita così toccata e stupita che avesse scoperto la mia musica e che avessimo le stesse band preferite, nonostante vivessimo così lontani l’uno dall’altro. È stata una grande lezione per me in termini di come Internet sia uno strumento estremamente importante per la comunità e per la musica, e di come, nonostante possiamo essere così diversi dagli altri, questa sottocultura ci collega tutti in un legame di unione.
Il tema della Giornata internazionale della donna 2025 è “Accelerare l’azione”. Dal tuo punto di vista, la musica può essere uno strumento per superare le barriere? Cosa può insegnare sulla forza, la resilienza e la solidarietà con le altre donne? Hai notato che qualcosa si è evoluto nel corso degli anni, soprattutto per quanto riguarda le percezioni della società?
Credo fermamente che la musica possa essere uno strumento per superare le barriere. È una forma d’arte che ci consente di esprimere le nostre verità ed è una forma d’arte che può essere facilmente condivisa attraverso registrazioni ed esibizioni. Penso che tutte le donne che hanno il coraggio di salire sul palco possano insegnarci la forza e la resilienza, perché so che hanno già affrontato così tante sfide solo per arrivarci. Credo che l’unico modo in cui possiamo far progredire la posizione delle donne nella nostra società e nella nostra scena sia stare insieme. Dobbiamo sostenere i successi reciproci e difenderci a vicenda affinché tutte possiamo progredire. Ho visto che ci sono state sempre più donne sul palco e nelle band della scena punk negli ultimi anni, e grazie a Internet più donne si stanno avvicinando e connettendo tra loro e trovano supporto. I messaggi delle donne vengono condivisi più spesso e creduti più spesso grazie alla forza dei numeri e alla forza della solidarietà. È diventato meno accettabile essere apertamente sessisti (ad esempio afferrare fisicamente una donna o minacciare stupro e violenza). Tuttavia, il sessismo è ora più sfumato e più nascosto che mai e dobbiamo continuare a lottare contro i doppi standard riguardo alla qualità della musicalità, alle norme di bellezza e alla sessualità. Dobbiamo essere persistenti, dobbiamo essere resilienti e dobbiamo essere forti. Insieme.
Foto cortesemente concesse da Jenny Woo
Ciao! My name is Dominique. I’m Italian and I’m proud to be a mix. My father was an Italian chemical engineer and high school teacher, with Greek and Polish heritage. My mother is Haitian, she was high school language teacher, with Dominican, Spanish, French, Portuguese, African and Native American heritage. Being a mix makes me appreciate to want to understand different cultures and lifestyles. I grew up in Italy, lived few years in Haiti, travel around main European capitals, lived seven years in China, six in Spain and UK. Traveling makes me feel that we can learn something from every situation in every part of the world.