Intervista con L’Uomo Invisibile Liu Bolin

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La società, le relazioni contraddittorie tra gli esseri umani e le civiltà sono uno dei temi principali nelle opere d’arte di Liu Bolin

Liu Bolin è un artista dello Shandong, noto per i suoi lavori artistici in termini di performance, fotografia e attivismo sociale. Ha conseguito il BA presso lo Shandong College of Arts nel 1995 e il MA presso la Central Academy of Fine Arts nel 2001. La serie più famosa di Liu, Hiding in the City, indaga la complessa relazione tra l’individuo e la società scomparendo negli ambienti. rappresenta gli uomini dimenticati del sistema economico in crescita, nel quale regnano le lotte di potere. Sia le foto che le sculture di Liu Bolin sono state esposte in numerosi musei ed istituzioni in tutto il mondo, in mostre personali e anche in mostre collettive. Ha collaborato con Kenny Scharf, JR, Jon Bon Jovi, Jean-Paul Gaultier, Fernando Botero, Carlos Cruz-Diez e Annie Leibovitz. Nel 2015, Liu è stato incaricato dalla campagna sostenuta dalle Nazioni Unite The Global Goals per creare un’immagine che trasmettesse 17 obiettivi – tra cui porre fine alla povertà, incoraggiare lo sviluppo sostenibile e combattere la disuguaglianza e l’ingiustizia – dove si è nascosto tra 193 bandiere del mondo. Liu Bolin attualmente risiede e lavora a Pechino, in Cina.

Immagine di copertina: Nine Dragon Series (Photographs /2010) © Liu Bolin

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Le tue opere più famose provengono dalla serie “Hiding in the City”, che hai iniziato in risposta alla demolizione del villaggio degli artisti di Pechino. Puoi parlarci di questo periodo? Cosa ha significato per il tuo percorso artistico?

Grazie all’attenzione degli imminenti Giochi Olimpici del 2008, nel 2005, l’arte contemporanea cinese è riuscita ad attirare molta considerazione diventando un riflesso della Cina. In questo contesto è nato il Suojiacun International Art Camp. Nel 2004 vi lavoravano più di 140 artisti cinesi e stranieri, e all’epoca era conosciuto come il più grande campo artistico internazionale in Asia. Tuttavia, dall’inizio del 2005, il quartiere artistico è stato sospeso continuamente per costruzione illegale, fino a quando non è stato raso al suolo il 16 novembre 2005. La serie “Hiding in the City” è stata completata il giorno dopo che è stata demolita davanti alle rovine dello studio nel distretto artistico, interrogando l’intero evento con la scomparsa dell’artista e utilizzando questo pezzo per chiamare la società a prestare attenzione alle condizioni di vita dell’artista. Da allora ho aperto la mia strada nelle arti e all’inizio della mia creazione ho rafforzato il mio atteggiamento verso l’interrogatorio e la riflessione sociale. Ha creato un nuovo punto di partenza per il mio percorso artistico. Allo stesso tempo, ho anche rafforzato l’idea di utilizzare il corpo per partecipare e riassumere e ricordare gli eventi e prestare attenzione ai temi comuni dell’umanità.

Soprannominato l’Uomo Invisibile, dovuto al dipingersi per fondersi con lo sfondo, Liu cerca costantemente di rafforzare e approfondire il suo linguaggio artistico. Si sfida continuamente.

Quali sono state le maggiori sfide in quel periodo?

La sfida principale all’inizio del mio processo creativo era identificare il metodo migliore per registrare il processo di partecipazione dell’intero corpo all’interno dell’opera d’arte. All’inizio ho utilizzato il metodo video e della fotografia time-lapse per registrare la scena, ma in seguito ho finalmente deciso di utilizzare la fotografia statica per registrare e realizzare il mio progetto. Inoltre, stavo studiando scultura prima e quindi non ero bravo con le tecniche fotografiche. Ho dovuto imparare a scattare foto correttamente mentre facevo I miei lavori. Ho pagato molte tasse durante l’intero processo.

Nel 2017, Liu è stato uno dei relatori principali alla conferenza “Art for Tomorrow 2017” del New York Times, sottolineando l’importanza del ruolo dell’artista nel trasmettere le questioni ambientali nelle loro opere.

Hai affrontato momenti inaspettati realizzando i tuoi progetti artistici

Ciò che mi ha colpito di più è stato il fatto che c’erano due problemi durante la realizzazione del lavoro con lo sfondo dello stadio Bird’s Nest. Uno era perché l’esposimetro non funzionava. Dopotutto, la temperatura era troppo bassa in inverno e non c’era modo di chiamare e chiedere agli amici quale apertura usare; secondo, dopo che la ripresa finale è stata completata perché la distanza tra le persone e lo stadio Bird’s Nest sullo sfondo era troppo lontana, la lunghezza focale del Bird’s Nest non era abbastanza chiara, quindi la mia unica opzione era di andare solo sul posto per scattare il terzo giorno.

Attraverso le sue opere di scultura umana, art performance e fotografia condivide il suo pensiero nei confronti degli esseri umani, aiutando a prendere in considerazione i reali limiti degli esseri umani.

Ho letto che l’inizio nel campo dell’arte è avvenuto attraverso lo studio della scultura. Cosa ti ha fatto desiderare di esprimerti con un mezzo artistico diverso? La tua conoscenza della scultura ti ha aiutato ad essere più creativo e sicuro di te nei tuoi nuovi progetti artistici?

Ho studiato scultura all’università e mi sono laureato, ma ho sentito e ho scoperto che quando esprimevo i miei veri sentimenti, la scultura era molto debole. Ecco perché ho deciso di usare il mio corpo come una tela, per esprimermi in modo diretto e con più forza. Tuttavia, tutta la conoscenza appresa nel processo di assimilazione della scultura è diventata la base per le riprese di opere di mimetizzazione urbana. Ad esempio, nella selezione del background nell’opera dei lavoratori licenziati, la scelta dei sei licenziati in “Laid Off 706” nasce dallo studio dell’unicità dei materiali nella scultura. Per i diversi background culturali, la ripresa del restauro e dell’espressione di eventi segue anche l’uso razionale della conoscenza dell’apprendimento della storia dell’arte.

A causa della vita, la vita continua, anche le immagini e la tecnologia continuano, quindi non si può evitare il rapporto tra la vita e l’ambiente.” – Liu Bolin

Come ti senti a rivedere il tuo lavoro di quel periodo e considerando l’enorme cambiamento di Pechino dei giorni d’oggi? Quanto è cambiata l’arte in Cina da allora?

L’arte contemporanea cinese è infatti fiorita con il successo delle Olimpiadi di Pechino. Con il successo del Dashanzi Art Festival nel 2003, l’arte contemporanea cinese è stata gradualmente riconosciuta dal mondo negli anni successivi. Come artista cinese contemporaneo, sono molto fortunato a vivere in quest’epoca. Prima di questo periodo, un gruppo di artisti come noi che non hanno posizioni ufficiali sarebbero stati obbligati a considerare di fare i lavoratori migranti, senza lavori formali, vivere insieme a tassisti e altri lavoratori nelle zone rurali. Ma da quando è stata prestata attenzione all’arte contemporanea cinese, anche la creatività e lo status degli artisti sono notevolmente migliorati. L’artista ha ricevuto un rispetto diffuso.

Qual è stato il progetto più difficile che hai realizzato? Considerando anche l’aspetto progettuale, quanto tempo hai impiegato?

Nel 2006, ho svolto il lavoro 《下岗 706》 sui lavoratori licenziati del 798 Art District. Ho passato mezzo mese a trovare sei persone che hanno lavorato e vissuto e licenziate in questo spazio e sono state finalmente disponibili a capire il mio lavoro, e parteciparvi.

Erano stati tutti licenziati negli anni ’90. La maggior parte di queste persone avevano tra i 50 ei 60 anni. Erano stati consumati dai loro anni di lavoro. Erano vecchi, con esperienze e conoscenze sorpassate e non potevano trovare un nuovo tipo di lavoro. Erano trattati in modo diverso, e dovevano provvedere ai loro genitori anziani e allo studio dei loro figli. Una famiglia di tre persone aveva una casa in affito di 20 metri quadrati e non poteva permettersi di comprare una casa.” – Liu Bolin

C’è una tra le tue opere d’arte a cui sei più legato o particolarmente connesso?

Nel 2015 ho lanciato la serie Hacker, di cui sono attualmente molto soddisfatto. Ho assunto veri hacker per hackerare dieci siti web del governo europeo, scaricare foto dal sito originale, le ho nascoste e poi le ho rimesse online in modo che il pubblico potesse vedere il mio lavoro sulle pagine web.

Crei performance artistiche in giro per il mondo come “Hiding in New York”, “Fade in Italy” ecc. Hai trovato qualche differenza nel lavorare all’estero rispetto che in Cina?

Non c’è una differenza fondamentale, ho girato in tutto il mondo da più di un decennio, con il forte supporto dei partner locali. Quindi sta andando tutto bene. Al Colosseo a Roma, ad esempio, ci sono voluti cinque anni prima che una co-galleria locale ottenesse il permesso di scattare.

La sua ultima serie di lavori “Art Hacker” segna il suo passaggio al mondo virtuale, esplorando un nuovo territorio attraverso la sua indagine artistica su Internet e l’era digitale. Attraverso le sue nuove opere d’arte collega il problema della vita reale con il mondo virtuale e si impegna continuamente in una discussione.

Cosa ti mantiene ispirato e motivato? Hai luoghi (città, monumenti, ecc …) in cui vorresti creare nuove opere d’arte?

Il sogno degli artisti e il coraggio di sfidare noi stessi sono la fonte della mia forza. Attualmente sto progettando una nuova serie di hacker. Dichiarare guerra al mondo virtuale è ciò che la nostra generazione di artisti deve fare.

Puoi condividere con noi qualche storia significativa dal backstage di un tuo progetto artistico?

Nel settembre 2015, ho realizzato un lavoro sugli immigrati illegali dall’Africa in Sicilia che passano per l’Italia. Durante il processo di ripresa, ho avuto una comprensione più profonda della loro vita e del motivo per cui si sono spostati in Italia, quindi nel tempo supplementare ho iniziato a lavorare alla serie THE FUTURE. Le parole “futuro” erano scritte sul corpo di tutti, il che non era solo una preghiera per il loro destino, ma anche una benedizione. Le opere non sono solo opere d’arte, ma anche anime e vite vivide. Cerco di portare questo messaggio con le mie opere.

Pensi che i social media e le nuove tecnologie stiano influenzando l’arte e il pubblico? Aiutano l’arte e l’artista ad avvicinarsi al pubblico o ci sono nuovi tipi di livelli e filtri? Qual è il tuo rapporto con la nuova comunità artistica? Questo influisce sul tuo modo di creare nuovi lavori?

Noi umani stiamo subendo un’enorme trasformazione che non abbiamo ancora realizzato. Sta prendendo forma un nuovo modello di vita, rappresentato dai client mobili web e virtuali basati sulla tecnologia. Gli esseri umani vengono ridotti in schiavitù da big data e algoritmi invisibili. Tutto il comportamento umano è servito e monitorato come dati. Artisti sensibili stanno facendo uso di questa tecnologia e stanno pensando di realizzare nuovi media. Alla Biennale di Venezia dello scorso anno, l’artista Zheng Shuli del Padiglione di Taiwan ha espresso il proprio giudizio sulla base della tecnologia di riconoscimento facciale. L’arte di ogni epoca è una combinazione della tecnologia con il pensiero umano e le preoccupazioni degli esseri umani in quel momento.

Il pubblico è consapevole della produzione di nuova arte, così come ancora non capiamo l’arte astratta, ma l’arte astratta per la storia dell’arte è diventata classica. Apprezzo l’emergere di nuovi stili artistici, in particolare le opere d’arte che combinano nuove tecnologie di rete e software di computer elettronici. Voglio davvero integrarmi in un nuovo campo in cui solo noi possiamo spiegare i nostri lavori.

Il suo lavoro artistico è incluso in collezioni individuali, aziendali, di fondazioni e museali di grande prestigio in tutto il mondo.

Photos Courtesy of Liu Bolin and Liu Bolin Art Studio
Special thanks to Qin Han

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